二聲道音響迷調聲修為到某個階段時，就會開始感受到Soundstage的微妙與所帶來的樂趣。所謂「聲音的舞台」，台灣音響迷習慣稱為「音場」，顧名思義，就是表演舞台上演奏者、樂團、樂器的「視覺」成像，不過這種成像並非真的透過眼睛看到的實體，而是由Sound構築而成。
Soundstage形成的第一步當然是錄音、混音完成的當下。如果是流行音樂，Soundstage的樂器人聲定位、層次、深度、寬度都是混音師的想像創作，就好像畫家在畫一幅畫。如果是古典音樂，以二支麥克風二軌錄音，錄音當下就已經完成Soundstage，就看錄音師能夠捕捉多完整的樂團演出實況。如果是多麥克風多軌錄音，錄音完成後還是要經過混音過程，此時的Soundstage也是混音師的創作。
流行音樂的Soundstage創作可以是天馬行空的，就看購買唱片的消費者買不買單？現在Dolby Atmos多聲道空間音訊更是混音師能夠盡情發揮的舞台，不過那不在二聲道Soundstage範圍內。而古典音樂的Soundstage則必須謹守重奏、協奏、管弦樂演奏的現場規矩，混音師所獲得最大的讚賞就是聽起來跟現場很接近。
既然Soundstage在混音完成後就已經決定，理論上無論在那個空間、哪套音響系統上播放，都能夠盡量還原混音師的創作才對，但事實並非如此。不同的空間、不同的音響系統、不同的喇叭擺位都會獲致不同的Soundstage呈現。即使是同樣的空間、同樣的音響系統，但是因為喇叭擺位不同，所呈現的Soundstage也會有所不同。
以耳機聽音樂為例，耳機內所播出的音樂跟二支喇叭所播出的音樂訊息量是完全一樣的，但為何聽耳機無法獲得跟喇叭一樣的Soundstage呢？這是因為耳機去掉了空間的反射音，加上Head Related Transfer Function(HRTF)的作用，使得我們的大腦無法拼湊出完整的Soundstage，即使錄音中已經有混音師所創作的Soundstage，我們的「眼前」還是無法浮現活生生的Soundstage。
或許你會懷疑，既然錄音師已經將Soundstage創作完成，如果聆聽空間的反射音再加進去，豈不是多餘嗎？理論上應該要在沒有反射音的無響室聽音樂才是「忠實還原」啊！如果你有機會在無響室中聽到播出的聲音或音樂，會很不「習慣」，因為人類從出生那一天開始，大腦就已經習慣有反射音的環境，也早已建立一個「聽」的Model。如果將反射音抽離，大腦所建立的Model反而被破壞了。所以我們聆聽音樂時，還是需要有「適當」的聆聽空間反射音，這樣才會是大腦所認為好聽的聲音。
除了聆聽空間的反射音之外，視覺也影響了Soundstage的鮮明度。如果閉著眼睛聽音樂，多數人都會感覺Soundstage沒有睜開眼睛那麼鮮明；喇叭靠牆擺，與後牆沒有一定的距離時，也會讓人覺得Soundstage比較淺。通常我們都會覺得喇叭與後牆保持一定距離時，Soundstage會呈現在那段喇叭與後牆之間的空間中，這樣比較真實。
除此之外，低頻段與中頻段的多寡也會影響Soundstage的形狀。喇叭靠牆擺時，低頻段往往突出，此時會覺得Soundstage變淺了，因為原本應該處於最後方的鼓聲、低頻樂器往前衝了。如果中頻段凹陷，也會覺得人聲、銅管、鋼琴等樂器往後縮了，Soundstage的前沿變成往內凹的弧形，而非往外凸的弧形。
聆聽位置與喇叭之間的距離也會影響Soundstage的鮮明度。無論距離越近或越遠，都會改變直接音與反射音的比例，而這種比例要恰好在某個距離的範圍內，Soundstage才能最鮮活。至於多少公尺是最適當的距離？每個聆聽空間與喇叭條件都不同，需要自己反覆嘗試。
透明感與空間感也是影響Soundstage的重要因素，音響系統的透明感越高，「透視」Soundstage的能力就越好，也會感受到層次感與定位感更清楚了。音響系統的細微細節表現能力越佳，就會覺得錄音中的空間感越大越真實，此時也會覺得Soundstage更大更寬深。此外，還有一項音響表現也會影響Soundstage的「成像」，那就是樂器、人聲的「凝氣成形」程度，樂器、人聲輪廓越清晰、越有實體感、密度越高，我們所感受到的Soundstage就越真實。
最重要的議題來了，到底聽起來要怎麼樣才最接近混音師所創作出來的Soundstage？除了混音師，沒有人知道。我們所能做的就是透過不斷的調聲，讓自己感受到Soundstage一次比一次更好。
這裡又出現一個問題了？所謂「更好」到底是多好？還有，你所謂的好跟我所認定的好是一樣的嗎？如果用文字各自形容自家的Soundstage表現，肯定是高來高去，寬深無比，唯有二造親自到對方家裡聽過，才會知道對方的Soundstage是怎麼回事？也才能在相互切磋下同行進步。
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