2014年度，鋼琴獨奏專輯推薦與雜談

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今年聽到優秀的鋼琴獨奏專輯非常多，趁著手邊沒有欠稿，趕緊來分享最近聽得特別勤的幾張。

1.

首推今年發行、由喬治亞鋼琴家Khatia Buniatishvili演奏的「Motherland」（Sony 88883734622），想來想去，這張還是優先推薦，畢竟我們的網路主編李大寶也被這張迷倒了。而我自己呢？買了CD還不夠，人生第一次在HDtracks.com消費也是獻給這張專輯，CD已經夠好聽了，24/96高解析的完滿聲響更是迷死人。如果用音響迷的角度來描述這張專輯，我會說它聲音就像Yamaha的擴大機（其實這張專輯是用Steinway鋼琴），中高頻水分充足，琴音亮澤豐美迷人。要細節？沒問題，連踩踏瓣的聲音都聽得到。不過這張專輯的亮點還是在於選曲可愛動聽，並且詮釋起來非常魅惑，觸鍵飽滿之餘，簡直能聽到獨奏家Buniatishvili的熱情毫無保留地傾瀉到鍵盤上。

從第一軌巴哈的「Schafe können sicher weiden」（Sheep May Safely Graze，有多種中譯，此處從簡省略）開始就能聽到豐腴的鋼琴顆粒，儘管聲音是豐腴的，音樂唱起來可是相當精巧，不會有聲音混濁之虞。這位鋼琴家幾年前在李斯特獨奏專輯就讓樂迷知道其實她很有想法，回到一張以小品為主的專輯，這點也沒有改變。無論是專輯中的巴哈、韓德爾或者史卡拉第，她都以流暢清晰的旋律主導聽覺，相當容易入耳。待到第二軌，柴可夫斯基的「秋歌」，配合鋼琴聲響特性，Buniatishvili彈起來，並不是枯淡蒼白的秋天氛圍，而是一整片色彩紛呈的秋楓。換個心情，第六軌跑出Ligeti的「Musica Ricercata No. 7」，既似追逐又似極簡主義的左手快速音型彈得熱力十足，結構簡單，聽起來卻很動感，就算單純用來測試音響的暫態反應也能聽得津津有味。其感性手法對上蕭邦如何？

俄羅斯鋼琴學派宗師老紐豪斯（或譯涅高茲，Henry Neuhaus）曾在日記裡描述窗外細雨讓他連結一首蕭邦練習曲的感受，那首練習曲並不是蕭邦廣為人知、有著花腔般旋律的作品，卻是考驗演奏者鋪陳浪漫情緒功力的曲目。聽Buniatishvili演奏該曲目（作品25之7），升C小調淺淺的哀愁唱得低迴，伴奏音型的點綴就像雨滴點點打下。曲中間歇出現的快速音階聽起來真是濃烈，這份演奏的鋪陳算是成功的；妙的是，這曲蕭邦後面接的是史克里亞賓練習曲（作品2之1，是不少鋼琴家的安可曲），同樣延續升C小調的特質，成功地將兩位作曲家連結呼應，簡直要把人拉回到上個世紀去。這張專輯還有很多可以提，但再怎麼說都比不上直接聽，這張是目前為止，我最推薦的年度鋼琴獨奏專輯發行。

2.

說得太多了，換一張提提。剛說到柴可夫斯基的「秋歌」，今年ECM也推出一張鋼琴獨奏，就叫做「Piano」（ECM New Series 2342），是誰擔綱演出？是指揮家鄭明勳。或許音響迷很熟他指揮的聖桑「管風琴交響曲」，但您可能不知道他早年也有不少鋼琴演出活動，他可是在柴可夫斯基國際大賽得過第二名的實力派，當年參賽曲目之一便是那首「秋歌」。有趣的是，或許出自錄音特色、又或者出自演奏特質，「秋歌」由鄭明勳彈來就不是熱情秋楓了，反而充滿迎向冬天的靜謐，與前述Buniatishvili形成強烈對比，參照著聆聽，趣味十足。這張「Piano」也是小品輯，曲目清單網路都有，此不重複。值得注意幾首，可以明確聽出鄭明勳在鍵盤上的控制力，德布西的「月光」，觸鍵靈敏，聽起來相當纖巧，高頻泛音細膩，舒曼的「夢幻曲」亦同，穩穩的口吻，控制聲音的長度與留白的幅度，是大師手筆。舒伯特二首「即興曲」（降E大調與降G大調）猶如練習曲般的連續音階也在他指下拉得很長，層次分明，觸鍵的質感也很清爽耐聽。更使人意外的是專輯最後一軌，莫札特的「小星星變奏曲」，近年來比較少有人錄音，鄭明勳彈起來只讓我想到一句話：大師一出手，便知有沒有……

3.

接著再說一張青年才俊鋼琴家，來自英國的Benjamin Grosvenor，神童出身，現為Decca旗下藝人。這是一張讓我自己棒喝自己的翻案專輯，值得一記。之前在YouTube聽過他演出，印象不錯，但沒有特別追蹤。今年出的「Dances」（Decca 478 5334）專輯讓人注意，專輯概念來自布梭尼（Ferruccio Busoni）的書信，讓各種有舞蹈性格的曲目交融（從這個角度來說，布梭尼應該也很適合當編輯、想專題吧…）。選曲陣容真夠華麗，不在話下！從巴哈的「第四號組曲」（其Partita多採舞曲架構）、蕭邦與史克里亞賓的舞曲、Granados少有人錄音的「詩意圓舞曲」以及更少人錄音的華麗版「藍色多瑙河」（為Schulz-Evler改編），光看曲目就讓人大呼過癮。炫技於他幾無難度，左右手翻飛來去，聽得很過癮，初次聽完專輯，只對一件事情有意見：這哪裡是巴哈的「Dances」？

後來我去找了之前沒聽過的Grosvenor獨奏專輯（收錄蕭邦「詼諧曲」那張Decca 478 3206），Decca還真把他錄得活靈活現，對鋼琴的「運音」還有收尾的彈性都捕捉得很完整，所以能聽見Grosvenor對樂句的塑造以及觸鍵收音的彈性都非常迷人。注意到這層效果後重聽「Dances」的巴哈「第四號組曲」；果然，如果不特別要找出律動感強烈的「舞蹈意念」、把注意力放回觸鍵與樂句塑造本身，反倒少了預設立場，聽見這位鋼琴家的演奏樣式原來很是澄明，層次與彈性都讓人願意一聽再聽。這樣的巴哈讓我想到著名的「夏康舞曲」（BWV. 1004終樂章），聆聽者與演奏家都必須面對同一個問題，巴哈的舞曲真的是用來跳舞的嗎？開放式問題是也。

（PS. 說到Granados這首「詩意圓舞曲」，曲子不長，難度也不大，可惜錄音少。妙的是，通常有錄這首錄音，都是品質有保障的錄音，甚至發燒廠牌Tacet也有。目前市面上，鋼琴獨奏版本比較少，吉他版易尋許多。不過今年卻有兩張專輯都收錄該曲目，一是「Dances」，一是本土演奏家蔡明叡的演出，「想念的季節」（金革，18770278），其觸鍵柔軟動聽，由「雅砌」錄音室操刀，聲音錄得清楚飽滿，初聽便很動人，目前聽得還不夠熟，僅此一提。）

4.

前幾天不知為何，腦海裡突然想起蕭邦的降E大調「夜曲」（作品55-2）。印象中現場聽過最好的演出是本地鋼琴家陳毓襄女士在國家音樂廳的演出（比她在奇美發行的專輯更加動人！）。於是便拿出陳毓襄的老師演奏的版本來複習。陳毓襄的老師是哪位？就是Ivo Pogorelich，近年來詮釋風格特異獨行，樂迷評價漸趨兩極，不過80年代的蕭邦錄音還是相當經典，尤其是我個人相當推崇的「前奏曲」。他錄下的這首夜曲相當有說服力，當年他在蕭邦鋼琴大賽也在台上演出此曲。他沒有那種把鋼琴弄得猶如調色盤的魅力，但是控制觸鍵力道收放的技術真是一流中的一流。大花版的專輯（DG 00289 477 8618）同時收錄貝多芬「第卅二號鋼琴奏鳴曲」、舒曼「交響練習曲」與幾首蕭邦短曲，這裡就提他在夜曲裡的表現。Pogorelich做了什麼事？我也不知道，但是每個音符的呼應銜接都很漂亮，左右手分離度很高，樂句與聲部層次清清楚楚，旋律線很長，長到整個曲子都像是不用換氣那般。加上他原本拿手的戲劇性塑造能力，整首六分鐘的夜曲聽來竟有敘事曲的規模，除了動態變化沒敘事曲的跨度，張力的變化相當有說服力。

（PS. 最近剛好在試聽幾條電源線與擴大機的搭配，才發現這張專輯開頭的貝多芬奏鳴曲，竟然非常考驗頻段分佈與整體表現。如果沒唱好，聽起來就像是左右手音色不協調一致，甚至有金屬味，Pogorelich的傲氣是有的，但聽這份錄音，不應該有刺耳的聲音。）

5.

對了，既然剛提到布梭尼，便來提一張特別的專輯。錄音細膩的MDG旗下有位實力派鋼琴家，Claudius Tanski，他彈奏的鋼琴聲音非常有魅力，讓我被Tanski「毒到」的人就是陶主編……當初在做專題時，陶主編提供Tanski彈的布梭尼曲集（MDG 312 0436-2），內中就有改編巴哈的曲目。那張錄音是用現代鋼琴，不過卻是很早的鋼琴，印象中是20世紀初期的琴，木頭味很重，觸鍵甚至能聽見木頭「沉下去」的質感，非常非常細緻討喜的錄音。後來就跑去買了這張專輯，順便買了Tanski在MDG的另外一張巴哈-李斯特-布梭尼錄音（MDG 312 1323-2），就是我現在要推薦的這張。要聽發燒錄音的李斯特「Petrarch Sonnets」，這裡就有，而且詮釋到位，音樂聽來有明確的緊密、舒緩變化，頗引人入勝。不過，亮點還是在專輯後半部，布梭尼改編的「郭德堡變奏曲」。巴哈的作品無論樂迷或者發燒友都一定有個好幾張，但是布梭尼編曲的作品您是否有收藏？如果沒有，這張Tanski的專輯是個很好的起點。布梭尼並沒有加上太多炫技風格的段落，但卻讓這套變奏曲的不同變奏折射出不同的光芒，譬如第二段變奏，利用和弦外音的裝飾音點綴，是很漂亮的寫法；另外，光講聽感，不同聲部藉由溫潤的鋼琴木頭味唱來，都有充分的甜味，MDG並不是愛在高頻加料的錄音風格，這裡聽到的聲音是自然的泛音構成，請好好享受！

最後，來解釋什麼是「運音」，前面有提到，這期在器材評論用上幾次這個詞。運音的英文是「Articulation」，這個字其實非常「幽微」，它有發音、發聲的意思，也有銜接的意思。不過在人文學科的研究討論裡，這個字用起來要很小心，因為它背後的意含是「根據某個立場發出意見」，白話點說，Articulation就是「詮釋」。這個詞跟音樂、甚至音響有什麼關係？有！關係可大了！Articulation之於演奏，之所以翻譯成「運音」，就表示那是演奏家如何「運用樂器或聲帶表達聲音」。沒錯，怎麼操控聲響表現就是一種詮釋，我們聽見所有錄音裡的人聲與樂器，都是演出者的「Articulation」，他們發出聲音，並「經營自己的聲響特色」。

舉例來說，一位小提琴家可以決定落下琴弓的瞬間是要靠近指板多點、或者靠近琴橋多點，一位男中音可以決定唱歌時咬字偏向子音多點還是母音多點，合唱團指揮會考慮使用頭腔共鳴多點或者胸腔共鳴多點，這些都是「運音」。不只如此，「運音」為何對欣賞音響來說也是相當重要的特質？因為每種樂器、每位演奏家、每份演出都有屬於自己的「運音」，那就是該演出中不可或缺的特質。運音從音符產生的瞬間就出現，直到音符消逝之後的餘音結束後才算完整的運音過程；也就是說，對音響而言，運音這件事，既考驗音質協調、音色準確，也要求暫態速度，還有各頻段平衡度與高低兩端的延伸與量感。從音樂上來說，音樂家詮釋樂曲、樂器的手法，就是結合詮釋架構、分句想法（Phrasing），這一切，都仰賴運音細節。

這樣譬喻吧！樂器發聲如同香水，有前中後段，隨著時間流逝，會給人聽感上的變化，好的「類比味」會讓人聽出運音的「連續過程」。譬如Eugene Drucker演奏的巴哈「無伴奏小提琴」（Parnassus PACD 96009/10），用上大量連續Vibrato，從琴弓接觸的剎那、到琴弦發聲唱歌，再到末尾收音，就是整個運音過程。漂亮的運音（演奏手法）講究的正是聲音的「連續性」。另外，運音的「Attack」（觸發聲音的瞬間）會影響人對特定「樂器音色」的認知。例如銅管的音色有亮澤，但讓人「認出銅管」是因為吹奏開始時的「聲音雜質」，若單獨取出那發聲瞬間的0.1秒來聽，您會覺得那個銅管發聲瞬間有點「髒」，但正是那份混合口水音、氣音、樂器聲的「雜質、髒」，會讓人腦辨認銅管的「質地」。就是因為講究瞬間聲響特質，所以樂器運音講究音響的暫態、頻段均衡與音質、音色等表現。

原本只是想發鋼琴獨奏專輯介紹，竟然寫到小提琴這裡來…好像離題太遠了…總之，希望大家有機會可以聽聽本文介紹的專輯，全都大力推薦！（以上圖片皆取自網路）

有才情，寫得真好！！！我聽過其中兩張，都很棒！！